jueves, 28 de marzo de 2024

WolfWolf

WolfWolf son Mr. Wolf y Mr. Wolf: dos lobos suizos que practican garage-punk-blues-trash desde hace más de una década. Ahora vuelven con Totentanz, su cuarto álbum. 

Tras su título, traducido del alemán como "danza de la muerte", se esconden historias que tiene lugar a un lado y a otro de la muerte, pero siempre con personajes que viven al filo, ignorados y desapercibidos, outsiders que sí tienen cabida en el mundo cómico del dúo.

Grabado, mezclado y masterizado entre Rorbas, Basilea y Karlsruhe (Alemania), Totentanz presenta el catálogo estilístico habitual de WolfWolf, al que se añaden baterías tipo new wave de los primeros 80, nuevas texturas y sonidos industriales.

En el cuarto álbum del dúo suizo de garage punk, muchas historias giran en torno a la muerte. A este lado de la muerte, sin embargo, está la vida con todas sus historias, que también tienen su lugar. Los protagonistas de Totentanz se sitúan fuera de los focos. Son historias sobre personas que pasan desapercibidas, incluso ignoradas, en la vida cotidiana. Todos ellos tienen cabida en el mundo cómico de WolfWolf.

La música sigue siendo inconfundiblemente WolfWolf en cuanto a estilo y ambiente, pero ofrece nuevos elementos. Sonidos de batería new wave de principios de los 80, sonidos industriales y el Mellotron han contribuido a la complejidad.

El álbum fue grabado por Lukas Speissegger, productor del dúo desde hace muchos años, en Rorbas. Mezclado por Harry Darling en los Lux Noise Studios de Basilea. Masterizado por Robin Schmidt en 24-96 Mastering, Karlsruhe.

Como en los álbumes anteriores, WolfWolf también concede gran importancia a la presentación visual del disco. Esta vez, la pareja de artistas Barbara y Heini Gut se han encargado de la portada. Es la primera vez que ambos trabajan juntos en un proyecto. Barbara Gut escenifica la danza de la muerte con sus singulares esculturas y Heini Gut complementa la apariencia con las misteriosas letras. La realización fotográfica de la escultura corrió a cargo del fotógrafo de Basilea Daniel Infanger.

Podéis escuchar el disco en todas las plataformas digitales.




miércoles, 27 de marzo de 2024

Killus

El grupo Killus lanza su segundo single de adelanto "Free XXV" de su próximo trabajo titulado "XXV Years Feeding The Monster". Con este trabajo el grupo promete cautivar a los oyentes con una experiencia sonora singular y emocionante, presentando nuevas versiones de sus temas más emblemáticos e icónicos.

Con FREE XXV el nuevo single de adelanto, KILLUS nos muestran una nueva versión actualizada de ellos mismos, mucho más intensa y versátil.

Podéis escuchar este nuevo single en todas las plataformas digitales.





martes, 26 de marzo de 2024

DenisDenis

El grupo gaditano DenisDenis lanza su primer EP de larga duración  “El Impulso del Destino”,  así han denominado también a la primera parte de la gira de su carrera, que les ha llevado a tocar por buena parte de la península, destacando sendos sold-out en Madrid, Cádiz, Murcia o Sevilla, y que les ha conducido a actuar en festivales destacados como el Ika Festival, Zafarraya Fest en el Jamón Rock Fest e incluso teloneando a “La Plazuela”. En este 2024 los podremos ver en festivales como el No Sin Música, entre otros a anunciar, mientras realizan la primera gran gira de su carrera.

Seis canciones pasionales y muy bien trabajadas que dan forma a este EP. Dicho trabajo sale con un un tema inédito hasta la fecha como es: “Menuda Decepción” y donde las guitarras arpegiadas con reverb, delay y overdrives crean una atmósfera que, junto al uso de sintetizadores y una voz muy potente y con mucha fuerza, nos recuerda al mejor rock e indie actual.

Próximas fechas de gira:

🔸 6/04 FUN CLUB (Sevilla)

🔹️13/04 EL PERRO 🐕 (Madrid)

🔸️04/05 SALA TIZÓN (Oviedo)

🔹️02/08 NO SIN MÚSICA FESTIVAL (Cádiz)





domingo, 24 de marzo de 2024

 KAOS ZONE FEST 2024: EL TRASH METAL REINA EN MADRID

Los propios músicos que tocaron en el evento no se equivocaban cuando desde el escenario señalaban, una y otra vez, que el Kaos Zone Fest celebrado el pasado viernes 22 de marzo en el icónico Wizink Center de Madrid era un momento histórico. 

Fue histórico para los que estuvimos allí y tenemos la suerte de poder recordar que formamos parte de ese encuentro que confío sea el primero de muchas otras citas anuales con lo mejor del paisaje de metal español. 

Fue histórico para el thrash metal, con la reunión por primera vez en un mismo escenario de cuatro bandas emblemáticas que pusieron toda la carne en el asador, desatando con potencia arrasadora sus distintas maneras de entender este estilo. Demostraron por qué las bandas españolas han sido uno de los motores de la revitalización del thrash destacándose en el thrash europeo del siglo XXI. 

Fue histórico para recordar que en el metal de la península habita una cosecha de músicos y bandas de identidad y poderío único, impagable oportunidad para aumentar nuestra afición y seguimiento de lo mucho y bueno que se está haciendo por aquí.  

Fue histórico por la característica que más me ha gustado de este evento: la capacidad para crear un encuentro respetando en todo momento la personalidad de cada banda por separado, creando así un espacio propio. Unidos en el cartel, pero al mismo tiempo con plena individualidad de protagonismo para las distintas formaciones. Eso dio lugar a una experiencia más rica para los asistentes, que pudieron disfrutar la experiencia de un festival de una sola tarde con la sensación de haber visitado cuatro territorios distintos, siendo así testigos no de un concierto, sino de cuatro conciertos de una sola tacada. 

Fue histórico en un Madrid que se va quedando cada vez más huérfano de eventos metal con la pérdida de festivales y oportunidades para disfrutar el encuentro de grupos y de seguidores dispuestos a darlo todo en el escenario y en la pista. Solo por eso esta iniciativa pasa a ser imprescindible y doblemente memorable para quienes disfrutamos con este tipo de música. Fue una histórica y demoledora descarga de lo mejor del subgénero más potente del heavy metal iniciada por los catalanes Crisix, que acudieron al encuentro imparables y ejercieron como apóstoles del ultra thrash. Lo suyo fue el arranque perfecto para una tarde lanzada ya desde el primer momento a toda velocidad por un tobogán de ¡Ultra fuckin´thrash!

Los Crisix no se lo pusieron nada fácil al resto de grupos, dejando el listón alto, pero también legando a los mismos un público preparado y ansioso para recibir la siguiente bola de demolición controlada con manos veteranas  y pulso firme por los madrileños Hamlet. Triunfaron en la tarea de seguir echando millas de punk y metal alternativo para asfaltar la carretera por la que transitan con la habitual elocuencia de sus letras poco aptas para pellejos finos y suspicaces. Lo suyo fue un brillante aquelarre de reencuentro con sus ritmos agresivos, imprescindibles para reunir cualquier lista de lo mejor en la escena del thrash de nuestros días. 

Los Angelus Apatrida hicieron que Albacete tomara posesión de este terremoto del metal con epicentro en Madrid haciendo valer sus galones de líderes en todo el mundo. Suyo fue el arrollador paso del Kaos Zone de la tarde a la noche con una selección de sus temas más contundentes, incluyendo el primer single del último disco. Sumaron otro de sus memorables directos con la velocísima e imparable ejecución que los caracteriza y demostraron  nuevamente por qué y cómo rompen fronteras y límites sin dejarse atrapar por etiquetas y géneros, simplemente siendo muy grandes tocando metal. Con el respeto debido a todos los demás integrantes del paisaje nacional del subgénero, los más grandes en lo suyo. 

El vocalista y guitarrista de Angelus Apatrida, Guillermo Izquierdo, le puso el subtítulo al evento bautizándolo como “Historia viva en Madrid”. Y con esa idea nos quedamos al final de su intervención en una noche que remataron los maestros del directo en que se han convertido los vitorianos Soziedad Alkoholika a caballo de la más heterogénea e imprevisible mezcla de estilos de la noche. 

Cierre con broche de oro en modo crossover respaldado por la más abundante dosis de punk de la jornada, tanto en las letras como en la ejecución de los temas, para terminar muy arriba y dejar a la gente con ganas de repetir experiencia el año que viene. 

Así que esperando desde ya mismo el Kaos Zone Fest de 2025. 

Miguel Juan Payán

Fotos: Rocío Juan







sábado, 23 de marzo de 2024

Ginebras

El grupo Ginebras lanza una nueva versión de la canción de Joan Manuel Serrat “Hoy Puede Ser un Gran Día” como parte de la banda sonora de la película “Menudas Piezas”.

Ginebras trae al presente “Hoy Puede Ser un Gran Día”, una de las canciones más aplaudidas de Joan Manuel Serrat. Casi un año después del lanzamiento de su segundo disco, “¿Quién es Billie Max?”, la banda sorprende con esta reinterpretación del mítico tema en clave rock y con coros pop, mucho más subida de revoluciones que la original y con un ritmo trepidante para levantar el ánimo a cualquiera. 

Este cruce de dos generaciones musicales, que bien se podría haber dado de manera natural, surgió a partir de la invitación del director Nacho G. Velilla para que Ginebras formara parte de la banda sonora original de su nueva película, “Menudas Piezas”, que se perfila como uno de los grandes éxitos en taquilla del año. Ginebras recogió la propuesta con una enorme alegría y con todo el respeto hacia este himno que ha traspasado décadas desde su lanzamiento en 1981. La letra del compositor catalán contiene todo el optimismo característico de las canciones de Ginebras, que han transformado su energía positiva en esta personal versión. Magüi, Sandra, Raquel y Juls ya tienen experiencia en poner música a películas y series. Así lo han hecho para filmes como “Cerdita”, donde sonaba “La ciudad huele a sudor”, para la serie de Netflix “Sky Rojo”, que despegaba a ritmo de su versión de “Con Altura” de Rosalía, o para la serie mexicana “Yellow”, que contó con sus “Cosas Moradas”.

Actualmente, Ginebras se encuentran inmersas en su Billie Max Tour, la gira con la que están llenando las mejores salas y festivales de todo el país y que encumbró su directo en el primer Wizink Center de Madrid de sus vidas el pasado mes de octubre. En los próximos meses, la banda seguirá disparando la energía del público desde el escenario a base de hits como “Alex Turner”, “Desastre de persona”, “Ansiedad” o “La Típica Canción”.

Podéis escuchar esta nueva versión en todas las plataformas digitales.



viernes, 22 de marzo de 2024

El Cajón de Telly Chavalas

MÚSICA PARA JUSTICIEROS TRAUMATIZADOS

Como lo prometido es deuda hoy voy a hablarles de los dos discos que tengo por casa de Kate Bush: “The Kick Inside”, el primero de su discografía aparecido en febrero de 1978 y “Lionheart” el segundo que publicó. A mí personalmente me gusta más el primero y hasta que no he tenido que escribir éste texto pensaba erróneamente que era el segundo de su discografía y “Lionheart”, que me gusta menos y me parece menos acabado el primero que hizo. En fin, fallos por falta de datos precisos. “The Kick Inside” ha recibido la certificación de Disco de Oro y de Platino por la industria británica, su canción “Wuthering Heights” alcanzó el número uno de las listas de ése país y el disco en sí el tercer lugar. Para los fans del rock progresivo destacar que en la producción del mismo trabajaron grandes nombres del género como David Gilmour, Stuart Elliott, Andrew Powell, Duncan McKay, Ian Bairnson o David Patton. También fue un éxito fuera del Reino Unido y la canción “Moving” por ejemplo alcanzó el puesto número uno en las listas de éxitos de Japón. A mí las canciones que más me gustan son “Wuthering Heights” que recuerdo haber escuchado en la radio siendo un chavaluco, “Kite”, “The Man With the Child in His Eyes” y sobre todo “L'Amour Looks Something Like You” una canción que se puede escuchar en bucle sin ningún problema, y lo sé porque lo he estado haciendo toda la semana. Las cosas que hace Kate Bush con la voz son difícilmente describibles así que será mejor que las experimenten ustedes mismos y sus orejas. Nada que les cuente será suficiente y aunque algunos críticos describieron su voz como una irritante mezcla de sirena y colegiala a mí me gusta. “Lionheart” se publicó nueve meses después de la salida de “The Kick Inside” y alcanzó el sexto puesto en las listas de éxitos convirtiéndose en el único álbum de la cantante que no estuvo entre los cinco primeros. La compañía EMI quería aprovechar el tirón del éxito de “The Kick Inside” y aceleró su publicación. ¿Ven? Al final yo llevaba parte de razón ya que las canciones que componen el álbum “Lionheart” fueron compuestas por la cantante durante su adolescencia y aprovechadas para sacar un nuevo álbum en tiempo récord. Así que, de alguna manera mis sospechas eran fundadas y aunque se publicó después en realidad era “anterior”. O por lo menos sus canciones. Otra particularidad del disco es que fue el único que la cantante grabó fuera del Reino Unido, concretamente en la Riviera Francesa. A mí la que más me gusta de éste disco es “Hammer Horror” un homenaje a la productora de películas de terror británica Hammer Films Productions compañía fundada por James Carreras en 1934 y que tantos buenos ratos ha dado a los aficionados al género. Y esa es otra característica propia de Kate Bush, hacer referencias continuas al cine y realizar guiños y menciones a películas como “Arsénico por compasión”, “Peter Pan”, “Pinocho”, “El jorobado de Notre Dame” o series de televisión como “Cumbres borrascosas” o “Veinticuatro horas al día”.

Y seguro que se están preguntando con qué lectura he disfrutado de éstos dos discos. Bueno, para ser sinceros he escuchado más “The Kick Inside” la verdad. Pero igualmente lo he disfrutado mucho leyendo la segunda entrega de “Batman: La gárgola de Gotham” de Rafael Grampá y Matheus Lopes uno de los mejores cómics del Hombre-Murciélago del año aunque tarde algunos meses en salir y haya que estar pendiente. Pero tranquilos, en los Estados Unidos ya han publicado la tercera entrega así que la cosa parece que progresa. Está muy bien y aunque es algo molesto leérselo a trozos siempre que lo hago me recuerda a la película “The Batman” (2022) de Matt Reeves. Si no la han visto, ya tardan. Bueno, ya no les aburro más con mis marcianadas cómico-musicales. Un día de estos tengo que visitar alguno de los reductos de resistencia valientes y osados que todavía venden discos en formato físico a ver si le echo las urpas a otro disco más de Kate Bush. Ea, no olviden supervitaminarse y mineralizarse. Y cuidado con las sirenas con irritante voz de colegiala.

TELLY CHAVALAS



Descubriendo a... Elo Disco 1

Empezamos el recorrido por la discografía de la Electric Light Orchestra y tenemos que remontarnos a 1971 y a una intención: unos jóvenes quieren ser los sustitutos espirituales de Los Beatles. 
A este respecto no hay mucho que añadir, ya que el propio John Lennon los definió como ‘’ hijos de los Beatles ‘’. Estaban llegando donde querían estar, pero algo faltaba para la sonoridad de esa primera canción que el mundo escucharía. Era una gran idea para una canción que Jeff Lynne tenía pensada para el grupo que tenía con Roy Wood. 
Por aquel entonces, Wood estaba experimentando con un cello y tuvo la excelente idea de proponer la incorporación de este instrumento a la canción. La idea fue fructificando y acabaron siendo seis cellos. Al final acabaron tocándolos como guitarras y el resultado es una de las canciones más populares de la banda ‘’ 10538 Overture ‘’. 
Aunque parezca una tontería, hubo un empeño en que el sonido de cellos no fuera detectado como si lo estuviera tocando un cellista. Era importante que supieran que era un rockero. Algo que acabó pasando y nació algo que llamaron ‘’ el sonido ELO ‘’. De repente tenían el beneplácito de sus ídolos y un sonido propia y que funcionaba. Las puertas empezaron a abrirse ante ellos y lo que encontrarían es el principio de una fulgurante carrera. 
La historia de esta canción nos lleva a un vecino que tenían los padres de Jeff Lynne. Por lo visto, este tío no andaba muy bien de las pensaderas y solía correr con una capa por la calle y extrañas inscripciones en la frente. Esto parece justificar las siguientes líneas de la canción: 
Did you hear the news came across the air today?
Someone has been found on the rocks down in the bay.
El álbum tiene 15 canciones entre las que se cuela algún tema puramente instrumental. El uso del cello es el centro de este álbum y saben sacarle todo el partido. Saben cómo hacerlo encajar y que nunca desentone. El experimento les sale bien en todo momento. Cuando incluyen la trompa llega un momento glorioso que podeis escuchar en la canción ‘’ Look at me now ‘’. 
Es pertinente recordar que, a estas alturas, la ELO es un trío formado por Jeff Lyne, Roy Wood y Bev Bevan. Es interesante comprobar que, al abandonar su anterior grupo, ‘’ The move ‘’, estos seguían publicando mientras el mundo escuchaba los sonidos de la ELO. Imaginad quien se llevó el gato al agua y quien quedó en el olvido.
Puede parecer que por ser ‘’ 10538 Overture ‘’ la primera canción de este álbum ya fue la primera en escucharse. No fue así. De hecho, la primera canción que el mundo escuchó de la ELO fue ‘’ Queen of hearts ‘’, canción que incluirían en la cara B del disco ‘’ Roll Over Beethoven ‘’. 
Sería muy fácil decir que ‘’ 10538 Overture ‘’ es mi canción favorita de este álbum y probablemente lo habría dicho la última vez que pasé por aquí, pero hoy voy a decir ‘’ The battle of Marston Moor ‘’. En serio, escuchadla y dadle una vuelta. Creo que es la que más hace por la instrumentalización en este álbum. Y aunque sea por unos segundos, es la canción más larga de este álbum, lo cual siempre se agradece si el talento está detrás. 
Que este artículo sirva única y exclusivamente para incitaros a escuchar desde el principio a estos monstruos del sonido. Merece la pena y, llegado cierto momento, no puede entenderse de otra forma disfrutar de su música sin implicarse. 

Daniel